Culture

Du 18 février au 5 juillet 2026, le Musée des Arts Décoratifs présente « Une journée au XVIII e siècle, chronique d’un hôtel particulier », une traversée immersive dans une demeure aristocratique parisienne des années 1780, à la veille de la Révolution française. Du lever au coucher, tout y est affaire de vie réglée au rythme de l’horloge. Cette exposition se laisse humer comme un parfum aujourd’hui disparu, petit miracle de cet art de vivre des Lumières où chacune des 550 pièces qui parsèment le parcours raconte une seule et même histoire: celle d’un temps révolu dont l’esthétique raffinée a promu Paris au rang de capitale européenne de la mode et des arts… un titre qui lui reste aujourd’hui rarement contesté.

Au cœur de la ville lumière, entre archives, sculptures, fonds de robes et dés à coudre, vibre une maison où les effluves de la rose de mai saisissent la mémoire olfactive des visiteurs. Une maison où dialoguent le passé et le présent. Depuis l’ombre fertile laissée par John Galliano et l’arrivée de Jonathan Anderson, une nouvelle lecture de l’héritage Dior semble émerger: plus conceptuelle, plus artistique, mais profondément fidèle à l’esprit de la maison fondée en 1946. Une étude de la forme C’est au Musée Rodin, merveilleux des sculptures du grand Auguste, que cette nouvelle étape s’est révélée. Après le défilé haute-couture, pendant la dernière semaine du mois de janvier 2026, l’installation Grammaire des Formes a ouvert au public dans le chapiteau éphémère où s’était tenue la présentation du prodige au monde. Quinze silhouettes d’Anderson y dialoguaient avec neuf créations historiques de Monsieur Dior et plusieurs céramiques de la sculptrice kenyane Magdalene Odundo.

Yeux cerclés de noir, purs, orageux, contrastés. Beaux à s’y noyer. Dominic Harrison, alias Yungblud, s’élance sur scène et hurle son fauvisme à pleins poumons. Une vie de rage, d’ampleur et de confiance en soi acquise et désormais alchimisante. Chacun de ses gestes est un éclair ; chacun de ses mouvements, un incendie. Il n’interprète pas ses morceaux. Il les laisse exploser de feu. La fosse s’embrase dès qu’il apparait. Les basses grondent comme le tonnerre. Ma fille et son amie sont un peu plus loin, moi en retrait. Chaque vibration de l’air nous traverse. Puis il surgit. Corps sculpté sous les projecteurs, présence animale, yeux bleus fardés comme un orage. Yungblud déboule sur scène, il est un feu sauvage. Une cigarette au coin des doigts, qu’il allumera plus tard, et déjà la chaleur est insoutenable.

Les musées en Iran contribuent activement à la consolidation de la stratégie politique et diplomatique du pays. Ils jouent aussi un rôle crucial dans la préservation et la mise en valeur des trésors de la civilisation perse. Le Musée national d’Iran est le principal musée archéologique et historique du pays. Il témoigne de la richesse du patrimoine persan et abrite des collections inestimables couvrant l’histoire iranienne du Paléolithique aux périodes mède, élamite, achéménide, parthe, sassanide, puis islamique. C’est d’ailleurs dans ce musée qu’est élaborée la narration officielle de ce qu’est «l’Iran»: un continuum qui va d’Élam et de l’Empire achéménide jusqu’à la République islamique, à travers plus de 300.000 objets qui constituent la trame même de l’histoire plusieurs fois millénaire du pays.

Depuis l’accroissement de la tension au niveau régional, les frappes qui ont visé l’Iran en 2025 et le dernier soulèvement populaire dans les villes iraniennes, les autorités ont multiplié les mesures d’urgence autour des musées. Il s’agissait de protéger un patrimoine inestimable face aux risques de bombardements, de sabotage ou même de pillage. Concrètement, cela s’est traduit par des fermetures prolongées, des horaires réduits, des visites encadrées au millimètre près et le transfert discret de certaines pièces majeures vers des réserves tenues secrètes. Ce réflexe de bunkerisation s’inscrit dans un climat de crispation et de crise plus profond et plus ancien, marqué depuis des décennies par un resserrement de l’espace culturel dans tout le pays.

La grande mosquée cheikh Zayed d’Abou Dhabi est l’un des monuments les plus emblématiques des Émirats arabes unis. Un véritable chef-d’œuvre architectural qui accueille près de 7 millions de visiteurs par an, dont 82% d’étrangers. Le site s’impose comme une plateforme de dialogue interreligieux et de promotion des valeurs humaines universelles. L’histoire de cette mosquée remonte aux années 1980, lorsque le cheikh Zayed bin Sultan al-Nahyan, père fondateur des Émirats arabes unis, conçoit le projet d’édifier un lieu de culte destiné à symboliser la modération de l’islam. Sa vision était claire : ériger un édifice ayant pour vocation de promouvoir la tolérance et les échanges culturels entre les peuples et d’allier la diversité culturelle du monde islamique aux valeurs historiques et modernes de l’architecture et de l’art.

Le Louvre Abou Dhabi s’inscrit au cœur d’une stratégie délibérée visant à faire de l’Émirat une plateforme culturelle internationale. Le musée incarne en effet la volonté d’Abou Dhabi de se positionner comme un pont entre les civilisations, afin de dépasser l’image d’une société émiratie « purement pétrolière » et d’affirmer une identité tournée vers la culture mondiale. C’est un musée d’art majeur, conçu comme un musée universel, qui met en avant les interactions de la créativité humaine au-delà des cultures, des civilisations, des religions, des époques et des préjugés. Disposition et scénographie

Le Louvre Abu Dhabi est un musée d’art universel situé sur l’île de Saadiyat, la bien nommée île du bonheur, qui a pour vocation de devenir le nouveau centre culturel des EAU. Avec ses expositions temporaires coorganisées avec de grands musées français et son discours « universel », le musée participe à la soft power des Emirats Arabes Unis et à la redéfinition de la place du monde arabe dans les circuits internationaux de l’art et du patrimoine. Les origines Le Louvre Abu Dhabi est le fruit d’un accord intergouvernemental entre la France et les Émirats Arabes Unis qui permet à ces derniers d’utiliser le nom du « Louvre » jusqu’en 2047.

Le pillage, en 2003, du Musée national d’Irak a entraîné la perte d’objets inestimables, avec un effet domino qui s’est manifesté par le pillage massif des sites archéologiques irakiens dans l’ensemble du pays. Ce qui a alimenté le trafic international d’antiquités et fortement entravé la recherche scientifique dans ce domaine. Ce pillage est devenu un cas emblématique de la responsabilité politique des forces d’occupation en temps de guerre, de la structuration d’une économie axée sur le trafic d’antiquités au service du crime organisé et du terrorisme, parallèlement à une « diplomatie de la traque » et de la collaboration internationale afin de restituer les objets volés.

Dans nos précédents articles, nous avons survolé la construction du Grand Musée égyptien et souligné son rôle majeur en tant que centre de recherche. Nous avons également passé en revue certains des fabuleux trésors qui y sont conservés. Mais qu’en est-il de son importance économique, culturelle et nationale pour l’Égypte ? L’un des enjeux majeurs du Grand Musée égyptien (GEM) est, sans aucun doute, d’ordre économique. Il a pour vocation d’attirer des touristes du monde entier, jouant ainsi un rôle central dans le dynamisme économique du pays. Situé près des pyramides de Gizeh, le GEM est l’un des piliers de la nouvelle stratégie touristique de l’Égypte, avec pour objectif celui d’attirer jusqu’à 30 millions de visiteurs par an d’ici 2030. Ce qui le placerait parmi les institutions culturelles les plus fréquentées au monde. Cette affluence devrait redynamiser les secteurs annexes, comme l’hôtellerie, la restauration, les transports et même les petites entreprises locales, et créer, par conséquent, des milliers d’emplois, directs et indirects.