Cultura

A sobrevivência do Museu Nacional Libanês é um milagre. Situado na linha de demarcação que dividia a capital entre as partes beligerantes, o edifício foi alvo de tiros e projéteis. Mas o principal museu arqueológico do país, que abriga coleções excepcionais que vão da pré-história ao período mameluco, conseguiu renascer logo após a guerra. A construção do museu A ideia do museu surgiu no início do século 20, quando se planejou reunir em um único espaço a coleção de Raymond Weill, um oficial francês destacado no Líbano. O edifício foi construído entre 1930 e 1937, durante o Mandato Francês, graças aos esforços do Comitê de Amigos do Museu, liderado por Bechara El Khoury, então primeiro-ministro e ministro da Educação. A inauguração oficial ocorreu em 27 de maio de 1942, seguindo os projetos dos arquitetos Antoine Nahas e Pierre Leprince Ringuet, em um estilo monumental de pedra ocre inspirado na Antiguidade. O museu durante a guerra O Museu Nacional de Beirute ficava em uma área que se tornou linha de frente durante a guerra civil libanesa, devastada por combates intensos. Proteger as coleções contra saques e bombardeios tornou-se uma questão urgente. A tarefa coube ao emir Maurice Chehab, então diretor do museu. Em primeiro lugar, ele garantiu que os artefatos transportáveis fossem guardados em cofres reforçados. As peças monumentais, por sua vez, foram protegidas com sacos de areia; algumas salas foram muradas e esculturas de grandes dimensões, envolvidas em concreto armado. O episódio remete à história de Jacques Jaujard, que salvou os tesouros do Museu do Louvre durante a Segunda Guerra Mundial, lembrando que, às vezes, a boa vontade e a determinação de uma única pessoa podem alterar o curso do que parecia inevitável. Após a guerra, a partir de 1993, foi lançada uma ampla campanha de restauração, que permitiu a reabertura do museu em 1997, graças ao apoio de patronos dedicados como Mona Hraoui, então primeira-dama e presidente da Fundação do Patrimônio Nacional. Desde então, a modernização das exposições e da infraestrutura do museu segue de forma contínua. Coleções e peças de destaque O museu abriga cerca de 100 mil artefatos, dos quais 1.300 estão em exibição, organizados em ordem cronológica, do período Paleolítico ao mameluco. Entre as peças mais emblemáticas está o sarcófago de Ahiram, rei de Biblos, uma obra-prima da arte e da epigrafia que traz uma das mais antigas inscrições conhecidas no alfabeto fenício. Outro conjunto notável reúne 31 sarcófagos antropoides fenícios da chamada Coleção Ford. Alinhados como um “exército de mortos”, esses caixões de pedra se inspiram em modelos egípcios e gregos, preservando, ao mesmo tempo, uma identidade claramente fenícia. Na entrada do salão central, destacam-se magníficos mosaicos greco-romanos e bizantinos, alguns deles danificados durante a guerra e ainda hoje marcados por cicatrizes. Eles ilustram de forma eloquente o florescimento da arte do mosaico no Líbano durante os períodos romano e bizantino. Os temas vão da mitologia grega e cenas bíblicas a crenças populares e reflexões filosóficas, como o célebre mosaico dos “Sete Sábios”, que representa filósofos como Sócrates; o do “Bom Pastor” ou “Europa raptada por Zeus”; e aquele que celebra “o nascimento de Alexandre, o Grande”. O solo libanês, de fato, é rico em obras-primas em mosaico. Escavações no centro de Beirute revelaram mais de mil metros quadrados dessas peças, que talvez um dia venham a formar um museu próprio. O subsolo recentemente renovado do museu é dedicado à arte funerária e a exposições temáticas. Para os fenícios, o túmulo funcionava tanto como morada eterna quanto como suporte físico da memória dinástica e familiar. Os andares superiores dão continuidade a essa narrativa por meio de objetos menores, como estatuetas, joias, moedas e cerâmicas, que ajudam a compreender o cotidiano, a economia e as práticas religiosas ao longo dos séculos. Muitas estatuetas femininas de terracota estão expostas, provenientes de templos dedicados principalmente a Baalat Gebal e Astarté. Essas peças refletem um ideal de beleza associado à fertilidade e ao status social, com atributos femininos, joias e penteados elaborados, evidenciando o papel central das mulheres como encarnações do divino. Uma ponte entre passado e futuro Embora o Museu Nacional de Beirute seja um templo do passado, ele também mantém o olhar firmemente voltado para o futuro. Um testemunho dessa visão é o Centro Cultural Nuhad EsSaid, um novo anexo do museu, que será explorado em nosso próximo artigo.

Há várias décadas, Sharjah se destaca como a capital cultural do mundo árabe, título concedido oficialmente pela UNESCO em 1998, em reconhecimento ao compromisso do emirado com a arte, a cultura e a educação, além da solidez de seu panorama cultural. Sob a liderança do xeique Sultan bin Mohammed Al Qasimi, que governa o emirado desde 1972, o emirato desenvolveu um ecossistema artístico singular no Oriente Médio, consolidando-se como um destino essencial tanto para amantes da arte quanto para profissionais da cultura. A história moderna da arte em Sharjah está intimamente ligada à criação da Sharjah Art Foundation, em 2009, sob a direção da xeica Hoor Al Qasimi. De caráter multidisciplinar, a instituição apoia produções artísticas locais e regionais e, ao mesmo tempo, promove conexões com artistas internacionais. Entre suas principais atividades estão a realização regular de grandes exposições, a organização de oficinas em parceria com diferentes instituições e a oferta de bolsas de pesquisa e programas de mentoria voltados ao fortalecimento de jovens artistas, mulheres e criadores inovadores. Além disso, é responsável pela renomada Bienal de Sharjah, criada em 1993, que atrai milhares de visitantes e apresenta obras que refletem transformações sociais e artísticas no mundo árabe e além. A edição mais recente, em 2025, intitulada To Carry , reuniu mais de 200 artistas de origens diversas, que abordaram questões contemporâneas urgentes e promoveram o diálogo intercultural. Sharjah também investiu fortemente na preservação e revitalização de seu patrimônio arquitetônico. O histórico bairro de Al Mareijah abriga diversos museus e espaços de arte instalados em casas tradicionais cuidadosamente restauradas, oferecendo aos visitantes a oportunidade de entrar em contato com obras contemporâneas enquanto se inserem na arquitetura urbana histórica do emirado. No centro da cena cultural está o Museu de Arte de Sharjah, um dos maiores da região do Golfo. Com entrada gratuita, o museu apresenta uma ampla gama de exposições, que vai da pintura árabe clássica à fotografia contemporânea, tornando a arte acessível a todos os públicos. Além dessas instituições centrais, Sharjah abriga outros marcos importantes, como a Barjeel Art Foundation, criada para expor a coleção privada de Sultan Sooud Al Qassemi; o Maraya Art Centre, dedicado às artes visuais e digitais; e o Museu da Civilização Islâmica de Sharjah, que destaca a riqueza da arte islâmica tradicional. Somam-se a eles dezenas de galerias e estúdios independentes, que ampliam e diversificam o cenário cultural do emirado, estimulando o intercâmbio entre artistas, curadores e público. Um fluxo constante de eventos e editais reflete a política cultural proativa de Sharjah, voltada à inovação, à formação e à experimentação artística. A visão cultural do emirado busca democratizar o acesso à arte e contribuir para a construção de uma sociedade aberta e participativa. As iniciativas artísticas são frequentemente acompanhadas por conferências, concertos, exibições de filmes e retrospectivas de artistas árabes de destaque, como Tarek Al Ghoussein e Hassan Sharif, ao mesmo tempo em que recebem criadores europeus, americanos e asiáticos. Embora profundamente enraizada nas tradições locais e árabes, a influência artística de Sharjah tem alcance internacional. Parcerias estreitas com instituições culturais globais, incluindo a UNESCO, e a participação de artistas da diáspora árabe ampliam a projeção cultural do emirado. O Prêmio UNESCO Sharjah para a Cultura Árabe, criado em 1998, simboliza essa colaboração ao reconhecer anualmente duas personalidades, grupos ou instituições por sua contribuição excepcional à promoção das artes e da cultura árabes. A vitalidade constante do emirado na promoção cultural lhe rendeu reconhecimento internacional, como os títulos de Capital da Cultura Islâmica, concedido em 2014 pela Organização da Cooperação Islâmica, e de Capital Mundial do Livro, atribuído pela UNESCO em 2019. Ao equilibrar tradição e modernidade, Oriente e Ocidente, Sharjah assumiu o desafio de se afirmar como um polo artístico dinâmico e inovador. Sua programação ambiciosa, a valorização da diversidade e a colaboração com artistas e instituições internacionais continuam a consolidar seu papel como pioneira global da cultura árabe.

A região do Golfo, e particularmente a Arábia Saudita, está atualmente a passar por grandes transformações sociais e económicas. Estes países, outrora principalmente produtores de petróleo, estão a abrir-se rapidamente a novas tecnologias, à Inteligência Artificial (IA), a eventos desportivos mundiais e, acima de tudo, à arte e à cultura. Do bairro cultural de Jax em Riade ao oásis de AlUla, a Arábia Saudita, o maior país do Médio Oriente, está a investir orçamentos significativos para promover a arte e a cultura. Para o governo saudita, numa sociedade em plena transformação, a arte permite preservar a herança cultural do país, transmitir as tradições e o saber-fazer ancestral, abrindo as portas a projetos artísticos de vanguarda. Entre os projetos ambiciosos do governo saudita, Riyadh Art ocupa um lugar de destaque. Lançado em 2019 pelo rei Salman bin Abdulaziz Al Saud, faz parte da Visão 2030, o plano de desenvolvimento faraónico do príncipe herdeiro Mohammed Bin Salman. O projeto visa embelezar Riade, enriquecer a sua paisagem cultural e tornar as obras de arte acessíveis a todos, transformando a cidade numa galeria de arte a céu aberto. Desde o seu lançamento, Riyadh Art já apresentou mais de 500 obras de arte, com a participação de mais de 500 artistas locais e internacionais, mais de 6.000 eventos e diversas atividades que atraíram mais de 6 milhões de visitantes. O objetivo do projeto é instalar, no final, mais de 1.000 obras emblemáticas de artistas mundialmente conhecidos em todos os espaços públicos da cidade: bairros residenciais, parques, paragens de autocarro e metro, cruzamentos, pontes, entradas da cidade, locais turísticos...etc. Para atingir este objetivo, Riyadh Art divide-se em uma infinidade de projetos que merecem a nossa atenção. Urban Art Lab visa, por exemplo, instalar galerias de arte em praças públicas para apresentar obras de artistas conhecidos e promover o diálogo entre estes e os habitantes. Jewels of Riyadh, Art on the move e Art in transit propõem, respetivamente, a instalação de obras de arte premiadas perto das atrações turísticas da cidade, nos principais cruzamentos e nas paragens de autocarro e metro. Entre estas obras, podemos citar "Janey Waney" do americano Alexander Calder, "Love" do artista Robert Indiana, ou "Quando a lua está cheia" do artista saudita Zaman Jassim...etc. Quanto a Riyadh Icon, tem como objetivo encorajar os artistas a criar um monumento que seria emblemático da cidade de Riade, à semelhança da Torre Eiffel em Paris, da Estátua da Liberdade em Nova Iorque ou do Cristo Redentor no Rio. The Joyous Gardens , por sua vez, confia a artistas célebres a criação de parques infantis nas praças dos bairros, e Welcoming gateways visa instalar portões com um design único e impressionante nas diferentes entradas da cidade. Garden city consiste em instalar obras de arte num jardim central da cidade, enquanto Urban Flow e Hidden River favorecem a instalação de passarelas e iluminação artística em pontes e viadutos. O Estado saudita prevê também a organização de eventos culturais anuais, como o Noor Festival , um festival de arte interativa baseado em iluminações, ou o Tuwaiq Sculpture que é simultaneamente um simpósio internacional anual e uma exposição que reúne artistas de todo o mundo para criar obras de grande escala num atelier ao ar livre. Ou ainda a organização da Art week Riyadh sob a égide da comissão saudita de artes visuais, reunindo mais de 50 galerias locais e internacionais, instituições culturais, artistas e amantes da arte de todo o mundo. Este florescimento de projetos artísticos permite ao Estado saudita embelezar a cidade, diversificar a economia, atrair novos investimentos e transformar progressivamente Riade num destino de eleição para os entusiastas da arte de todo o mundo. Acompanhemos os desenvolvimentos.

De tragédias passadas às artes dramáticas. Os infames locais da era dos Assad, pai e filho, agora abrigam câmeras e outros equipamentos de filmagem. Seja em Saydnaya ou Mazzeh, atores e diretores substituíram os torturadores que serviram zelosamente aos interesses do antigo regime sírio. Muitas séries atualmente em produção optaram por filmar cenas em instalações militares ou quartéis-generais dos serviços de segurança que simbolizavam o reinado do terror. Como o aeródromo de Mazzeh, que abrigava um centro de detenção para o serviço de inteligência da Força Aérea, notório por sua crueldade. A "Mukhabarat" (polícia secreta) da Força Aérea era o principal pilar do regime do ex-piloto Hafez al-Assad, que se tornou presidente da República Árabe da Síria por várias décadas. Outras cenas foram gravadas na "rama Palestina", uma das seções mais temidas dos serviços de inteligência. Agora, câmeras e técnicos lotam os escritórios onde os detidos eram submetidos a graves abusos nos interrogatórios. Muitos não saíram de lá com vida. Será que essa relativa liberdade vai durar? Um helicóptero pousa lentamente no aeródromo militar de Mezzeh, perto de Damasco, um local utilizado anteriormente para torturar e prender sírios e que agora recebe as filmagens de uma série que relata os últimos meses de Bashar al-Assad no poder. "É difícil imaginar que estejamos filmando aqui", afirma Mohammad Abdel Aziz, diretor de "The King's Family". "O aeroporto de Mezzeh era um símbolo da força militar. Hoje estamos gravando uma novela que relata a queda dessa força", explica enquanto dá instruções por walkie-talkie à sua equipe. Há pouco mais de um ano, Bashar al-Assad fugiu para a Rússia quando Damasco caiu nas mãos de uma coalizão de rebeldes islamistas. Desde então, dezenas de atores e cineastas no exílio por sua oposição ao ditador voltaram ao país e deram impulso à indústria audiovisual. Muitas das séries que estão sendo filmadas optaram por gravar em locais militares ou nos quartéis-generais dos serviços de segurança, que simbolizavam o regime de terror. Mas paira a dúvida se esta liberdade relativa perdurará No dia da queda de Damasco, em 8 de dezembro de 2024, centenas de pessoas invadiram as instalações dos serviços de segurança e abriram as portas das celas. A luxuosa residência de Al-Assad, no abastado bairro de Malki, também foi invadida e saqueada. Uma cena da série, que mostra uma briga com 150 pessoas e tiros incluídos, foi filmada nesta residência. "Impensável" tê-lo feito antes, quando os arredores do local eram estritamente proibidos aos sírios, afirma o cineasta. Sob o poder de Al-Assad, a produção cinematográfica era severamente censurada. O roteirista Maan Sabqani conta que as autoridades atuais mantiveram um comitê de censura no Ministério da Informação, mas que este apenas fez "comentários simples" ao roteiro antes de conceder sua autorização. Mas paira a dúvida se esta liberdade relativa perdurará. No mundo árabe, as séries costumam ser transmitidas durante o mês do Ramadã, o jejum muçulmano, que em 2026 começa em fevereiro. Outras produções inspiradas na temática também estão previstas para serem exibidas durante este período, como uma que relata a amarga experiência da população com os serviços de inteligência, que instauraram um regime baseado na delação e no medo, ou outra que narra o motim de 2008 na prisão de Saidnaya, onde foram cometidas atrocidades horríveis. "Matadouro humano" A tomada do poder pelo atual presidente sírio, Ahmad al-Sharaa, continua a alimentar temores e questionamentos. O passado jihadista do homem anteriormente conhecido como "Abu Mohammed al-Julani", e especialmente os massacres de civis pertencentes a minorias religiosas, contribuem para a controvérsia em torno dele. Mas, por ora, tanto o governo quanto a população parecem esperar uma recuperação econômica para reconstruir um país devastado pela guerra civil desde 2011. Dezenas de presos foram assassinados naquela época nesta prisão próxima a Damasco, descrita pela Anistia Internacional como um "matadouro humano". O roteiro estava pronto há mais de dois anos, mas o "medo" dos atores sob a ditadura e a impossibilidade de filmar na Síria impediram a realização do projeto, conta seu diretor, Mohammad Loutfi. Hoje, explica, as novas autoridades "forneceram apoio logístico para a filmagem na própria prisão, algo que teria sido impensável" antes.

Há vários anos, os Estados do Golfo vêm investindo recursos consideráveis para transformar a região em um polo artístico, tecnológico e educacional de padrão mundial. O Catar não é exceção e tem redobrado seus esforços para atrair talentos de todo o mundo, ao mesmo tempo, em que desenvolve competências locais. O Estado catariano segue lançando projetos ambiciosos, sejam artísticos, arquitetônicos ou esportivos, como a Copa do Mundo da FIFA, realizada no país em 2022. Para alcançar esse objetivo, o governo colabora com artistas de renome internacional, instituições culturais e educacionais de alto nível, além de talentos locais e estrangeiros. Um dos projetos emblemáticos programados para Doha em 2026 é a Art Basel, o grande encontro global da arte contemporânea. Depois da Suíça, Miami, Hong Kong e Paris, Doha sediará a Art Basel de 5 a 7 de fevereiro, com dois dias de pré-estreia nos dias 3 e 4 de fevereiro. O evento ocorrerá no centro criativo M7 e no Doha Design District, no centro de Msheireb. Líder mundial no campo da arte contemporânea, a Art Basel foi fundada em 1950, em Basileia, na Suíça, para oferecer uma plataforma prestigiosa para artistas, galerias e colecionadores de todo o mundo. A feira dita o tom do mercado de arte, influenciando preços, movimentos artísticos e tendências globais. A edição da Art Basel Qatar 2026 tornou-se possível graças a uma parceria entre a QSI (Qatar Sports Investments) e a QC+. O evento tem enorme importância para o país e para a região, ao destacar o panorama cultural e artístico não apenas do Catar, mas de todo o Oriente Médio. Também consolida a posição do país no cenário global da arte contemporânea. Segundo Vincenzo de Bellis, Chief Artistic Officer e diretor global das feiras Art Basel, Doha oferece um ambiente ideal para um novo olhar sobre a arte. O país está na encruzilhada entre tradição e modernidade. Com uma história rica e complexa, o Catar incentiva fortemente experimentações artísticas inovadoras. O tema escolhido para a edição de 2026 da Art Basel Doha é “Becoming”. Ele traduz com precisão esta parte do mundo, onde antigas tradições orais se misturam a tecnologias de ponta e rotas comerciais seculares evoluíram para vastas redes de intercâmbio cultural e financeiro. Nesse contexto, a arte torna-se a testemunha mais fiel da história do Catar e reflete claramente as forças vivas que moldam a identidade da região. Para a edição de 2026 no Catar, a Art Basel nomeou Wael Shawky, artista egípcio radicado em Doha, como diretor artístico. Shawky é reconhecido por seu rigor intelectual e por seu profundo conhecimento da região, qualidades que o levaram a ser nomeado, em 2024, diretor artístico da Doha Fire Station. Ali, lançou o Art Intensive Studies Program (AISP), concebido para fomentar o pensamento crítico, o aprendizado prático e o desenvolvimento profissional de artistas emergentes catarianos e internacionais. Shawky já expôs em espaços de prestígio como a Tate Modern, em Londres, e o MoMA, em Nova York. Em 2024, foi amplamente elogiado por sua obra Video Drama 1882 na 60ª Bienal de Veneza. Atualmente, expõe na LUMA, em Arles, e na Talbot Rice Gallery, da Universidade de Edimburgo. Por outro lado, o comitê de seleção da feira inclui representantes de galerias locais e internacionais de grande prestígio, como Lorenzo Fiaschi, cofundador da renomada Galleria Continua, da Itália; Daniela Gareh, diretora da White Cube, de Londres; Mohammed Hafiz, cofundador da Athr Gallery, de Riad; e Sunny Rahbar, cofundador da The Third Line, de Dubai. Sediar a Art Basel em Doha representa um acontecimento de grande magnitude, que certamente redefinirá o panorama artístico de toda a região, oferecendo aos participantes visibilidade internacional e uma oportunidade única de diálogo com o circuito global da arte.

A Royal Opera House Muscat é um dos marcos mais emblemáticos de Omã. Inaugurada em 2011 a pedido do sultão Qaboos bin Said, grande apreciador das artes e da ópera, a casa foi concebida para funcionar como um centro de intercâmbio cultural entre Omã e o restante do mundo, além de uma plataforma para promover apresentações artísticas locais e internacionais. Desde sua abertura, a Royal Opera House Muscat tornou-se um símbolo da diplomacia cultural omanita. Trata-se de uma obra-prima arquitetônica que combina, com elegância, o estilo clássico das grandes casas de ópera com a tradição arquitetônica do país. O edifício harmoniza influências islâmicas com um design contemporâneo e os requisitos tecnológicos avançados necessários para espetáculos desse porte. Ao incorporar elementos tradicionais omanitas tanto na parte interna quanto na externa — e integrá-los a recursos modernos — os arquitetos criaram uma construção tipicamente omanita, marcada por uma elegância atemporal. Para isso, recorreram a materiais locais, como o calcário, e adornaram a fachada com delicados trabalhos de cantaria que destacam o talento dos artesãos do país. O interior do edifício mantém a mesma sofisticação: mármore por toda parte, madeira finamente entalhada, tapeçarias luxuosas, lustres de cristal e arabescos delicadamente trabalhados. Já o auditório tem capacidade para cerca de 1.100 espectadores e é equipado com tecnologia de som e iluminação de última geração. O palco móvel foi projetado para garantir acústica perfeita e visibilidade total, independentemente do assento — um recurso que permite configurar o espaço para diferentes tipos de apresentações, colocando a Royal Opera House Muscat entre os centros artísticos mais modernos e sofisticados do mundo. Desde a inauguração, a casa já recebeu produções e artistas de todos os continentes. Jazzistas como Igor Butman e Randy Brecker se apresentaram ali, assim como algumas das principais orquestras sinfônicas do mundo — a Filarmônica de Viena, a London Symphony Orchestra e a Orquestra Nacional da Rússia. Grandes solistas também já passaram por seu palco, entre eles Andrea Bocelli, Renée Fleming e Plácido Domingo. Companhias de balé de renome, como o Bolshoi e o American Ballet Theatre, também figuram na programação. A música regional tem espaço garantido. Artistas árabes consagrados já se apresentaram ali, e a casa regularmente recebe peças e produções de diversos países, valorizando tanto o patrimônio cultural omanita quanto o internacional. Essa programação eclética consolidou a Royal Opera House Muscat como um palco privilegiado para eventos artísticos de alto nível, atraindo público local e estrangeiro. Além da agenda variada, a instituição mantém forte atuação educativa, oferecendo oficinas e programas para jovens artistas, além de descontos especiais para estudantes — parte do esforço para impulsionar o desenvolvimento cultural em Omã. Mais de uma década após sua construção, a Royal Opera House Muscat cumpre plenamente a missão definida pelo sultão Qaboos: promover artistas locais e internacionais, ampliar o acesso da população à música clássica e incentivar o intercâmbio cultural global. Um legado que segue vivo.

Um olhar rápido sobre o cenário cultural e artístico em desenvolvimento nos países do Golfo revela os enormes recursos destinados a uma ampla gama de projetos, muitas vezes luxuosos e vanguardistas, com o objetivo de promover a arte e a cultura, de maneiras que podem variar de um país para outro. Um entusiasmo semelhante é evidente em toda a região, refletindo um desejo comum de abertura e intercâmbio com o mundo da arte e da cultura. Todos esses projetos, sem dúvida, servem para promover uma espécie de “diplomacia cultural” — se é que se pode chamá-la assim — e para fortalecer a influência cultural desses países no cenário internacional. No entanto, seria um equívoco reduzir as conquistas já alcançadas e as já planejadas a um mero exercício de marketing. Por trás da escala grandiosa de alguns projetos, existem motivações muito mais importantes em jogo. Em sociedades que passam por profundas transformações, a arte e a cultura são motores de mudanças sociais e políticas. Mas elas são, simultaneamente, meios de proteger e transmitir o saber, as tradições e o patrimônio cultural de um país. Contribuem significativamente para o fortalecimento do orgulho nacional e para consolidar um sentimento de pertencimento. Os líderes dos países do Golfo estão plenamente conscientes disso, e sua preocupação em preservar e promover essa identidade cultural é evidente em todos os projetos implementados ou em desenvolvimento. Além das questões que poderiam ser descritas, por extensão, como geopolíticas, a arte, em sociedades em transição, funciona como guardiã da memória. Ela permite, ainda, uma mudança profunda e harmoniosa na sociedade. É o fio que conecta o passado ao presente e ao futuro. Para isso, os líderes incentivam projetos artísticos e culturais vanguardistas, enquanto simultaneamente reforçam a preservação e promoção do patrimônio cultural, das tradições e dos conhecimentos ancestrais. Em uma série de artigos dedicada a esse tema, o Levant Time analisou os principais projetos que refletem claramente o desejo de transformar os países do Golfo em um polo cultural e artístico global e em um espaço de intercâmbio entre diversos atores culturais, em campos tão variados quanto pintura, música, dança, cinema e literatura. Esses projetos são ambiciosos e numerosos, mas os desafios são igualmente grandes. No contexto atual, tanto regional quanto internacional, essas sociedades em rápida transformação conseguirão encontrar um equilíbrio adequado entre a herança islâmico-árabe, por um lado, e as realidades do século XXI, por outro? Conseguirão fazer uma entrada espetacular no mundo do amanhã e iniciar uma era de renascimento artístico e cultural, como o Renascimento italiano, por exemplo? Conseguirão se transformar sem perder, ao longo do caminho, sua identidade e sua essência? Essas são algumas das questões que o Levant Time pretende responder em sua série de artigos dedicada aos grandes projetos culturais e artísticos nos diversos países do Golfo. Próximo artigo: A Casa Real de Ópera de muscat

É verdade que um realizador explora essencialmente uma única temática – ou um único universo – ao longo de toda a sua obra, no sentido em que tudo acaba por constituir um conjunto coerente, como sugeria Jean-Luc Godard? Guillermo del Toro parece enquadrar-se perfeitamente nessa teoria. O realizador mexicano, que acaba de apresentar (na Netflix) sua própria versão de uma das figuras mais exploradas do cinema – o Frankenstein de Mary Shelley – parece animado por uma intuição matricial, quase obsessiva, e até profética, que se pode encontrar em todos os seus filmes e que lhe confere uma coerência rara. Em del Toro, o monstro nunca é o monstro. A alteridade disforme, a carne cicatrizada, a anatomia contra-natura, nunca são sinônimo de monstruosidade real em seus filmes. Bem ao contrário: no realizador mexicano, o monstro é a figura mais humana de todas, aquela que carrega o peso do sofrimento, da solidão, da rejeição, da humilhação, mas também do amor. É verdade que ele não é o primeiro a aventurar-se por esse caminho. Mas, num mundo cada vez mais desumanizado, seu empreendimento é ainda mais perturbador pela sua verdade. O verdadeiro monstro? É o homem, quando abdica de sua própria humanidade, quando se deixa possuir pelo impulso de dominação, pelo narcisismo, pela ciência fria, pela guerra ou pelo medo da morte e pelo desejo de usurpar o lugar do Demiurgo. Nesse sentido, toda a obra de del Toro aparece como uma longa acusação contra os fabricantes de monstros: os regimes, os exércitos, os laboratórios, os cientistas, os pais tirânicos e os moralistas gélidos que pretendem estar do lado do Bem, da Razão ou da modernidade científica – mas que só produzem, no final, destruição. Não há monstros, nos diz del Toro. Há apenas carrascos, que se acreditam investidos de um projeto gigantesco, mas que são, na verdade, apenas figuras delirantes em busca de uma reparação de sua ferida narcísica. Em El laberinto del fauno ( O Labirinto do Fauno – 2006), sem dúvida um dos mais belos filmes do século XXI, o suposto monstro – o fauno inquietante, entre sombra e luz, mensageiro de um mundo arcaico – não é, na verdade, senão uma resposta espiritual à barbárie franquista. O verdadeiro monstro é o capitão Vidal, protótipo do fascista frio, mecânico, isento de dúvidas, obcecado pela descendência e pelo mito do pai. À inocência de Ofelia e seu imaginário salvador responde a crueldade metódica do poder. O monstro mitológico torna-se um refúgio, uma figura reguladora, um último bastião contra a devastação moral. O que Del Toro tenta dizer aqui é essencial: o monstro não é o terror, é o antídoto contra o terror; o último refúgio da inocência para evitar e conjurar o horror. O santuário salvador onde a alma ainda pode respirar. A mesma lógica permeia A Forma da Água (2017), essa obra-prima em que uma criatura aquática, prisioneira de um laboratório militar, torturada em nome da ciência, revela-se capaz de amar com um amor mais puro, mais pleno, mais absoluto do que os humanos que a dissecam. Novamente, o verdadeiro monstro não é aquele exibido no aquário: é o cientista sem empatia, a América paranoica da Guerra Fria, a normalidade social obcecada pela aparência, pela conformidade, pelo controle. Este filme é, fundamentalmente, um manifesto de del Toro, segundo o qual a humanidade não reside no homem, mas na capacidade de amar. Amar é o único motor da sobrevivência, dizia Leonard Cohen em sua canção sobre o futuro monstruoso que havia previsto no início dos anos 1990, com o fim da bipolaridade. Ora, amar é algo de que o homem frequentemente é incapaz. É isso que o torna um monstro. O monstro, por seu lado, numa dinâmica inversa, aceita o aprendizado mais doloroso, mas também o mais belo – o de aprender a amar. Essa temática atinge o incandescência em Frankenstein , o projeto dos sonhos de del Toro há trinta anos, e que enfim encontra sua forma. Trata-se da narrativa original de muitos monstros: a criatura que nunca pediu para vir ao mundo, que nasceu da vaidade de um criador narcísico, de um pai embriagado de poder, de um homem que quer roubar de Deus o segredo da vida sem assumir a responsabilidade ética. Frankenstein é o condenado absoluto: aquele que não tem lugar, identidade nem linguagem. Aquele cujo único desejo é amar e ser amado. « Estou sozinho », diz ele no romance de Mary Shelley. Frankenstein não é senão esse monstro, em cada um de nós, que busca o amor, para poder finalmente acessar plenamente a alteridade, a ligação, a humanidade. Mas, ainda assim, o mundo apenas o designa como monstro, independentemente dos fatos, de seu desejo, de sua vontade, de seu coração. Está condenado à rejeição, sem apelação. Ora Del Toro inverte aqui toda a tradição cinematográfica. O magnífico James Whale já havia dado ao monstro uma dimensão trágica, quase crística, nos primeiros filmes sobre essa figura levada à tela grande – Frankenstein (1931), depois a grandiosa A Noiva de Frankenstein (1935), antes do personagem se tornar um pilar dos filmes de horror da Hammer; brilhantemente parodiado por Mel Brooks ( Jovem Frankenstein , 1974) ou ainda mal dramatizado por Kenneth Branagh em 1994, com um erro de casting majestoso – De Niro no papel principal! Mas del Toro inova: oferece a perspectiva do monstro, sua subjetividade, seu grito sufocado. Finalmente lhe dá uma voz. A criatura torna-se um espelho – um espelho em que o homem se recusa a olhar. Porque veria a verdade – que o monstro é ele. Esse leitmotiv está presente em toda parte em del Toro. Em Hellboy (2004), em que a trajetória inevitável da criança do diabo é levar o mundo à destruição, mas que escolhe se rebelar contra seu destino biológico – e conquistar sua liberdade. Em Beco da Perdição (2021), em que o monstro não é a besta de circo, mas o homem que se afunda na ilusão do poder absoluto e se mutila psiquicamente até se tornar o que acreditava dominar: a besta. Em Pacífico Rim (2013), não são as criaturas colossais vindas das fissuras abissais que são monstruosas, mas a arrogância tecnológica de um mundo que acredita poder controlar tudo. Até Pinóquio (2022), em del Toro, não escapa a essa lei. Como em A.I. de Steven Spielberg, a criança de madeira é mais humana que os adultos ao seu redor. O pai, por sua vez, é prisioneiro de seu luto – ferido mas tirânico – e a sociedade fascista instrumentaliza a criança como carne de canhão. Resta A Espinha Dorsal do Diabo (2001), filme espectral e emocionante, em que o fantasma de uma criança assassinada vem assombrar um orfanato durante a Guerra Civil Espanhola. O fantasma não é um espectro de terror, mas o guardião da memória, a voz da justiça diante da barbárie: a inocência morta, literalmente. O fantasma é aqui uma testemunha. Não constitui uma ameaça. A obsessão de del Toro é clara: o monstro é o sintoma da violência humana. E se vem ao mundo, é porque um tirano, um cientista, um soldado, um pai – o criou. É impossível não ler essa obra à luz da psicanálise, na medida em que o que del Toro encena não é senão o filho rejeitado, o filho sacrificado, a criança impossível, condenada ao mal-entendido permanente. Pensamos evidentemente em Lacan e na forclusão do nome do pai. É a figura da criança sem lugar, esmagada pela Lei paterna mortífera, aquela que não conhece o amor mas apenas a performance, a disciplina ou a herança. É difícil também não pensar na Caverna de Platão. A criatura ousa sair das sombras para buscar a humanidade, mas aqueles que a veem a assassinam. Del Toro está no cinema fantástico, mas está profundamente enraizado em sua época e na realidade. Ele nos diz, com suas imagens fabulosas, o horror em que vivemos diariamente – como se nos entregasse nada menos que uma meditação trágica sobre nossa época. Mais do que nunca hoje, o mundo está cheio de fabricantes e traficantes de monstros: populistas, fascistas, engenheiros do medo, cientistas sem ética, gnósticos de toda espécie, propagandistas que transformam os povos em máquinas de ódio. O monstro, doravante, nem sequer precisa ser criado em laboratório: fabrica-se através do discurso, da manipulação, das redes sociais, das identidades fechadas, do ressentimento e da fantasia purificadora. Mesmo artificialmente, agora, e sempre com nossa adesão, nossa legitimação, nossa participação. É estranhamente, também em torno da mesma temática que parece evoluir a última temporada da série Stranger Things … Guillermo del Toro é muito mais, nesse sentido, um pensador político, um profeta sombrio que um realizador, semelhante ao que Cohen já anunciava em The Future em 1990, a saber, que a humanidade está em perigo. Mas não por causa dos monstros, mas por causa daqueles que vivem da necessidade de fabricá-los através do ódio, da violência, da humilhação, da exclusão. Del Toro nos sussurra uma verdade urgente: é hora de olhar os monstros nos olhos. Ou seja, de proceder a nosso próprio exame de consciência, antes que seja tarde demais, para vencer em nós mesmos a batalha mais importante: nossa última chance de permanecer humanos. Para não terminar, todos juntos, como a pequena Ofelia do Labirinto do Fauno .