Yasmina Comair

Le Petit Palais consacre à Eva Gonzalès sa première grande rétrospective, depuis le 15 septembre et ce jusqu’au 24 janvier prochain, réunissant près de cent peintures, pastels et gravures. Unique élève d’Édouard Manet, contemporaine de Berthe Morisot et Mary Cassatt sans jamais véritablement appartenir au groupe impressionniste, elle fut surtout une femme qui sut se frayer un chemin dans un XIXe siècle qui en laissait peu aux artistes de son sexe. Remarquablement construite, l’exposition est aussi émouvante : derrière l’élève, le modèle, l’épouse et la mère, elle laisse apparaître, œuvre après œuvre, une artiste peintre qui conquiert sa liberté.

Il est des soirées que le temps efface. Et puis il y a celles qui attendent simplement qu’une volonté leur redonne vie. En 1967, sous le haut patronage de la princesse Grace de Monaco, le bal de l’Ordre de Malte avait lieu à Paris, empreint de cette forme d’élégance discrète qui caractérise les grandes œuvres de bienfaisance, exprimant un raffinement qui ne trouve sa véritable raison d’être que dans la cause qu’il sert. Puis les années ont passé, laissant ce rendez-vous prestigieux disparaître peu à peu du paysage parisien. Près de soixante ans plus tard, le bal renaît dans le cadre exceptionnel du Cercle de l’Union Interalliée. Sous le haut patronage de Son Altesse Royale la princesse Caroline de Hanovre, cette nouvelle édition ne signe pas seulement le retour d’une soirée mondaine. Elle réveille en son cœur une mémoire, rétablit un lien entre les générations et rappelle qu’il existe encore des lieux où la beauté peut devenir un langage de solidarité.

Après plus de vingt ans passés au cœur des grandes maisons de la haute joaillerie et du luxe international, de Cartier à Hermès, de De Beers à LVMH, entre Paris, Londres et New York, Marie Berthelon aurait pu prolonger une trajectoire parfaitement tracée au sommet du système. Elle a choisi de s’en écarter pour réveiller Rouvenat, Maison disparue du XIXe siècle qu’elle réactive aujourd’hui comme un territoire vivant, à la frontière de l’héritage et de l’avant-garde. À la tête d’une structure réduite et ultra-engagée, elle y défend une vision singulière de la haute joaillerie: un luxe de circularité et de mémoire, où l’or recyclé, les pierres anciennes retrouvées dans des coffres oubliés et les matières brutes ou polies ne cherchent pas la perfection mais la lumière. Une joaillerie qui ne s’ajoute pas au monde, mais qui le réveille, en transformant ce qui existait déjà en présence contemporaine.

Au Grand Palais, une exposition d’une ampleur rare, réunissant plus de trois cents œuvres de collections internationales, explore jusqu’au 26 juillet prochain les treize dernières années d’Henri Matisse. Loin d’un épilogue, elle révèle un moment d’intensité où, contraint par la maladie, l’artiste réinvente entièrement son langage. Peintures, dessins, livres, textiles, vitraux et gouaches découpées composent un parcours pensé comme un atelier vivant : celui d’un homme qui, au bord de la fin, choisit d’ouvrir encore. Lumineux. Il y a des expositions qui s’ouvrent comme des portes, et puis il y a celles qui s’imposent plus lentement, presque à bas bruit, jusqu’à déplacer quelque chose de plus ancien que le regard: une manière de tenir le temps, une façon dense et profonde de se tenir droit face à lui, dans sa lenteur comme dans sa lumière.

Du 18 février au 5 juillet 2026, le Musée des Arts Décoratifs présente « Une journée au XVIII e siècle, chronique d’un hôtel particulier », une traversée immersive dans une demeure aristocratique parisienne des années 1780, à la veille de la Révolution française. Du lever au coucher, tout y est affaire de vie réglée au rythme de l’horloge. Cette exposition se laisse humer comme un parfum aujourd’hui disparu, petit miracle de cet art de vivre des Lumières où chacune des 550 pièces qui parsèment le parcours raconte une seule et même histoire: celle d’un temps révolu dont l’esthétique raffinée a promu Paris au rang de capitale européenne de la mode et des arts… un titre qui lui reste aujourd’hui rarement contesté.

Au cœur de la ville lumière, entre archives, sculptures, fonds de robes et dés à coudre, vibre une maison où les effluves de la rose de mai saisissent la mémoire olfactive des visiteurs. Une maison où dialoguent le passé et le présent. Depuis l’ombre fertile laissée par John Galliano et l’arrivée de Jonathan Anderson, une nouvelle lecture de l’héritage Dior semble émerger: plus conceptuelle, plus artistique, mais profondément fidèle à l’esprit de la maison fondée en 1946. Une étude de la forme C’est au Musée Rodin, merveilleux des sculptures du grand Auguste, que cette nouvelle étape s’est révélée. Après le défilé haute-couture, pendant la dernière semaine du mois de janvier 2026, l’installation Grammaire des Formes a ouvert au public dans le chapiteau éphémère où s’était tenue la présentation du prodige au monde. Quinze silhouettes d’Anderson y dialoguaient avec neuf créations historiques de Monsieur Dior et plusieurs céramiques de la sculptrice kenyane Magdalene Odundo.

Yeux cerclés de noir, purs, orageux, contrastés. Beaux à s’y noyer. Dominic Harrison, alias Yungblud, s’élance sur scène et hurle son fauvisme à pleins poumons. Une vie de rage, d’ampleur et de confiance en soi acquise et désormais alchimisante. Chacun de ses gestes est un éclair ; chacun de ses mouvements, un incendie. Il n’interprète pas ses morceaux. Il les laisse exploser de feu. La fosse s’embrase dès qu’il apparait. Les basses grondent comme le tonnerre. Ma fille et son amie sont un peu plus loin, moi en retrait. Chaque vibration de l’air nous traverse. Puis il surgit. Corps sculpté sous les projecteurs, présence animale, yeux bleus fardés comme un orage. Yungblud déboule sur scène, il est un feu sauvage. Une cigarette au coin des doigts, qu’il allumera plus tard, et déjà la chaleur est insoutenable.